铺展四联剧《尼伯龙根的指环》的宏大画卷，作曲巨匠瓦格纳用了26年，旷日持久的创作里，他倾注了自己最成熟的艺术思想、最庞大的艺术结构，对西方歌剧发展产生了重大影响。因为音乐演绎难度大、角色数量多、神话色彩对舞台呈现要求丰富，“指环”一直被视作检验歌剧制作能力的试金石。迈向“指环”的这一步，国家大剧院酝酿了十几年，历经70多部歌剧以及《漂泊的荷兰人》《罗恩格林》《唐豪瑟》《纽伦堡的名歌手》等瓦格纳歌剧的制作经验积累，日前，国家大剧院版“指环”系列以《莱茵的黄金》吹响了启航的号角。

　　“指环”四联剧包括前夜《莱茵的黄金》、第一日《女武神》、第二日《齐格弗里德》、第三日《众神的黄昏》，其中，《莱茵的黄金》时长最短，但出场人物最多，是瓦格纳在这个系列中最后完成的作品，因此无论是哲学、美学的高度，还是创作手法的难度，《莱茵的黄金》绝非试探之作。围绕着充满魔力的莱茵黄金，瓦格纳以雄浑的笔力、炉火纯青的“主导动机”技术展开仙女、侏儒、众神、巨人之间的复杂争夺，在故事、听觉上皆创作了一个壮阔瑰丽的神话世界。

　　如此奇幻恢弘的想象，在国家大剧院版《莱茵的黄金》中落地为一种令人过目难忘的舞台呈现。导演斯特法诺·波达以类似瓦格纳“整体艺术”的理念一手包揽舞美、编舞、服装、灯光、多媒体设计等工作，构建起基调统一完整、风格简洁独特的表达空间：莱茵河畔昏黑，神界纯白，侏儒所在的尼布海姆遍布火焰与雾气，每个层级都色调鲜明。导演在极致简洁的线条、圆环等视觉形象中埋下了许多隐喻，舞美与角色服装、造型的高度现代性，让这一版《莱茵的黄金》有着《沙丘》等科幻电影一般的奇异质感，演出尾声部分，众神登上宛若飞船舷梯的彩虹桥，又一次将科幻感推向高峰。

　　如此“激进”的舞台表达，必然引起观众两极分化的讨论，有人喜爱其大胆，也有人质疑其越界，比如，一些观众提及，现场水池和沙粒搅动产生的噪声干扰了歌唱、演奏的传递，某些特定的肢体动作也可能影响歌唱家的发挥——诠释歌剧作品，视觉与听觉的界限究竟在何处是一个老生常谈的话题，《莱茵的黄金》首轮演出中出现的观感冲突，值得国家大剧院在后续复排以及制作“指环”其他作品时斟酌留意。但总的来说，在为经典歌剧寻找现代表达的层面，这一版《莱茵的黄金》给出了一个来自当代中国的回答，足够先锋、开放且有诚意。

　　从舞台到音乐，国际化的底色一直流淌在这一版《莱茵的黄金》中，担纲现场演奏的是指挥家吕嘉执棒的国家大剧院管弦乐团，主演则集结了托马斯·托马森、埃吉尔·西林斯、克里斯蒂安·弗朗茨等多位活跃于世界舞台的瓦格纳派演员——瓦格纳歌剧向来以难演、难唱闻名，“指环”的演出阵容往往被外国艺术家刷屏，但这一次，中国音乐家的表现值得称赞，从开篇部分秦侃如、徐晓英、张亚洁饰演的莱茵仙女，到踩着高跷饰演巨人法弗纳的关致京，再到最后出场饰演智慧女神埃尔达的牛莎莎，以及乐池里一气呵成的国家大剧院管弦乐团，他们实打实地留下了中国歌剧事业发展的印记。

　　北京舞台上历久弥新的“指环”，见证着这座城市乃至整个中国古典音乐行业的步步前行：2005年，第八届北京国际音乐节率先引入纽伦堡歌剧院打造的全套“指环”，完成了四联剧在中国的首次亮相，轰动一时；2013年起，中央歌剧院从《女武神》着手，用4年时间成为全国唯一以一己之力完整演绎“指环”系列的歌剧院；今天，国家大剧院的“指环”系列在颇有前瞻感的国际化基调上开启。也许，一切还无法立刻做到尽善尽美，但中国音乐家不断攀登艺术巅峰的执着精神令人振奋。 （高倩/文 方非/摄）

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